Fotografía de estudio con «Les Essentiels PHOTO» – Parte 2 de 2

Un estudio. Una modelo. Un retrato totalmente diferente.
Cómo cambia la historia al cambiar la luz

Artículo de Fabrizio Dei Tos-Navalesi, fotógrafo profesional y profesor de fotografía

Técnicas de iluminación para retratos: cómo crear un ambiente nuevo con solo dos luces

En la primera parte de esta serie, te enseñé cómo creé un retrato inspirado en el cine negro clásico estadounidense utilizando una configuración de iluminación basada en cuatro fuentes de luz independientes.

Esta vez, me gustaría adoptar un enfoque totalmente opuesto.
En lugar de añadir complejidad, voy a simplificar la configuración. Usaremos solo dos fuentes de luz principales para crear un retrato con un ambiente totalmente diferente.

La modelo no ha cambiado. El estudio tampoco. Y la cámara tampoco. Y, sin embargo, la foto final cuenta una historia totalmente diferente. Esa es una de las cosas que más me gustan de la fotografía de estudio. No hace falta tener más equipo para crear una imagen diferente.

A veces, basta con cambiar la forma en que moldeas la luz.

Nikon Z7 II
Nikkor Z24-120 f4
1/125 – f4 – ISO 400
67 mm

¿Qué pasa si no cambiamos absolutamente nada... salvo la iluminación?

En mis talleres, suelo hacerles a los participantes una pregunta muy sencilla: ¿Qué pasa cuando solo cambias la luz?

Es una de mis demostraciones favoritas porque la respuesta sorprende a casi todo el mundo.
Con el mismo sujeto, el mismo fondo y un equipo casi idéntico, el impacto emocional del retrato cambia por completo.

Un pequeño ajuste en la posición de una luz o en el equilibrio entre varias luces puede cambiar radicalmente la forma en que percibimos un rostro. Para esta segunda configuración, quería crear algo mucho más suave y elegante que el retrato al estilo «film noir».

En lugar de hacer hincapié en el misterio y el contraste dramático, quería que la atención del espectador se centrara de forma natural en la expresión de la modelo. Las sombras siguen ahí. Simplemente desempeñan un papel diferente. Esa es una distinción importante. No se trata de una configuración de iluminación «mejor». Es simplemente una forma diferente de contar la historia.

Cada luz tiene un propósito

Aunque esta iluminación parezca más suave, no es aleatoria. Cada luz tiene una función concreta. Eso es algo que siempre destaco en todos los talleres.

Nunca coloco una luz solo porque la tenga a mano. Cada fuente de luz tiene que tener una razón de ser. Antes incluso de coger la cámara, ya sé qué es lo que se supone que debe aportar cada luz.

Nikon Z7 II
Nikkor Z24-120 f4
1/125 – f4 – ISO 400
97 mm

La luz principal define la forma del rostro. Las dos luces de contorno separan a la modelo del fondo. Una luz de fondo adicional aporta profundidad y evita que la imagen resulte plana.
Cuando cada luz tiene una función bien definida, hacer fotos se vuelve mucho más intuitivo.

Cada luz de esta configuración tiene una función específica. Juntas crean un retrato más suave y abierto, a la vez que mantienen una excelente separación entre el sujeto y el fondo.

El fondo blanco es más versátil de lo que crees

Había otra cosa que quería enseñarte con esta configuración. Muchos fotógrafos creen que necesitan varios colores de fondo diferentes para crear variedad visual en el estudio.
Yo no lo creo así.
De hecho, casi siempre trabajo con un fondo de papel blanco. Como suelo decirles a los fotógrafos en mis talleres:

«La herramienta más versátil que puedes tener en un estudio es un fondo blanco. Con un fondo blanco, puedes crear casi cualquier estilo que quieras».

Dependiendo de cómo se ilumine, ese mismo fondo blanco puede parecer blanco brillante, gris suave o casi completamente negro.
Por eso prefiero dedicar mi tiempo a aprender a controlar la luz en lugar de coleccionar fondos de diferentes colores.

En ambos retratos se utilizó el mismo fondo blanco. La diferencia no está en el fondo, sino en la iluminación.

Comparando ambos retratos

Cuando pones los dos retratos uno al lado del otro, cuesta creer que se hayan hecho exactamente en el mismo estudio. Uno transmite dramatismo. El otro, calma y elegancia. Uno se basa en sombras profundas. El otro invita al espectador a sumergirse en la expresión. No cambió nada del lugar. El sujeto tampoco ha cambiado. Solo ha cambiado la luz. Y precisamente por eso siempre digo que la luz no se limita a iluminar un sujeto. Da forma a la atmósfera, guía la atención del espectador y, en última instancia, determina cómo se cuenta la historia.

Nikon Z7 II
Nikkor Z24-120 f4
1/125 – f4 – ISO 400
86 mm

Toma las medidas antes de hacer la foto

Crear una configuración de iluminación como esta es una cosa. Ser capaz de reproducirla siempre igual es otra muy distinta. Por eso mido cada fuente de luz por separado antes de empezar a hacer fotos.

Con el medidor Datacolor LightColor Meter, puedo medir cada luz por separado, ajustar las proporciones de iluminación con total seguridad y reproducir exactamente la misma configuración cada vez que la necesite.

La app móvil complementaria encaja a la perfección en ese flujo de trabajo. Todas las mediciones están disponibles al instante, lo que me permite ajustar cada luz con precisión hasta que el resultado final coincida con la imagen que tenía en mente desde el principio.
La mayor ventaja no es solo la precisión. Es la eficiencia. En lugar de perder un tiempo precioso haciendo un sinfín de ajustes técnicos, puedo centrarme en trabajar con mi sujeto.

Mientras otros siguen ajustando las luces, yo ya estoy creando una conexión con la persona que tengo delante de la cámara. Y ahí es donde empieza la verdadera fotografía.

Dominar la luz te da libertad creativa

Para mí, la mayor ventaja de trabajar así no es solo la precisión. Es la libertad. En cuanto sé que la iluminación está exactamente donde quiero, dejo de pensar en la parte técnica de la fotografía. En cambio, puedo centrarme por completo en la pose, la expresión, el contacto visual y la historia que quiero que cuente el retrato. En definitiva, no uso un exposímetro para crear fotos técnicamente mejores. Lo uso para poder centrarme por completo en la persona que está delante de mi cámara. Siempre he dicho que todo retrato empieza con la luz. Pero antes de eso, todo retrato empieza con una idea. La luz es simplemente la herramienta que da forma y emoción a esa idea. Por eso siempre empiezo por preparar la iluminación primero. Una vez que esa base está lista, la parte técnica pasa a un segundo plano, lo que me permite centrarme por completo en la conexión humana y en contar la historia que imaginé antes incluso de coger la cámara. Quizá esa sea la lección más importante que espero que los fotógrafos se lleven de mis talleres. Un buen equipo por sí solo no basta para crear grandes retratos. Cuando controlas la luz, la creatividad tiene espacio para florecer.

Sobre Fabrizio Dei Tos-Navalesi

Fabrizio Dei Tos-Navalesi es fotógrafo profesional, profesor de fotografía y experto en tecnologías de imagen digital. Su trayectoria profesional aúna la fotografía, la narración visual y la tecnología de la imagen. También ha impartido clases de fotografía y procesamiento de imágenes digitales en la prestigiosa escuela GOBELINS de París.
Como director de producto en DxO, desempeñó un papel clave en el desarrollo de soluciones de software innovadoras para fotógrafos. Hoy en día, comparte sus conocimientos a través de su canal de YouTube, Les Essentiels PHOTO, donde ayuda a los fotógrafos a mejorar todos los aspectos de su trabajo, desde la captura hasta el posprocesado digital.

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